Royal Opera and Ballet, Londra, 11 martie 2020

lebedelor

Respect pentru tradiție cu o aromă modernă. Acesta este cel mai scurt mod de a descrie cea mai recentă versiune a Baletului Regal al Marii Britanii a clasicilor clasicilor - „Lacul lebedelor”.

În mod tradițional, încep de obicei cu o analiză a interpreților, dar de data aceasta aș dori să acord mai întâi puțină atenție echipei de producție, deoarece munca lor nu este mai puțin importantă și, în unele locuri, are chiar prioritate față de dansul din percepția generală a publicului.

Această versiune a „Lacului lebedelor” a avut premiera în 2018 și este rezultatul mai multor ani de muncă. Fondurile nu au fost economisite și este probabil ca directorul Royal Ballet, Kevin O'Hare, să fi intenționat ca produsul final să fie una dintre acele producții care ar putea fi jucate timp de decenii cu foarte puține actualizări. Noul „Lacul lebedelor” vine să înlocuiască versiunea anterioară a teatrului, opera lui Anthony Dowell - unul dintre marii dansatori de balet britanici ai secolului XX, fost director artistic al instituției, unde astăzi acționează adesea ca tutor. Versiunea sa nu s-a bucurat niciodată de succes pe scară largă printre critici, dar a rămas în repertoriul teatrului timp de aproape 30 de ani.

Evident, când vine vorba de un titlu pe scara „Lacul lebedelor” într-una dintre cele mai prestigioase trupe de balet din lume, responsabilitatea pentru echipa de producție este imensă. Așadar, când O'Hare a anunțat că l-a ales pe tânărul coregraf Liam Scarlett drept creierul noii producții, decizia a stârnit oarecare scepticism. Scarlett, care până în urmă cu câțiva ani a dansat singură la Royal Ballet, are deja în spatele ei mai multe balete originale create pentru teatru - în cea mai mare parte cu un singur act și unul „de lung metraj” - „Frankenstein”. Niciuna dintre aceste lucrări nu a întâmpinat mult entuziasm în rândul iubitorilor de balet și al criticilor. Și anul acesta este deosebit de dificil pentru Scarlett, deoarece el a fost acuzat de comportament indecent față de elevii de la școala de balet la teatru. În cele din urmă, inspecția nu a găsit nimic, dar Royal Ballet a decis să înceteze colaborarea cu el (până acum era unul dintre cei trei coregrafi cu normă întreagă, alături de Wayne McGregor și Christopher Wilden).

În ciuda acestei controversate biografii, trebuie să recunosc că în ceea ce privește „Lacul lebedelor”, Liam Scarlett a abordat clasicii cu mare respect. Dacă vă așteptați la o versiune radicală a baletului, acesta nu este spectacolul dvs. Aici lectura coregrafică și regizorală se îndreaptă spre tradiții, către păstrarea celor mai mari realizări ale lui Marius Petipa și Lev Ivanov, urmărire aproape literală a complotului original și ușoară actualizare a numerelor de balet individuale. Scenografia joacă un rol imens în percepția generală - decorurile, costumele, iluminatul (ah, iluminatul!), Dar pentru ei puțin mai târziu. Conceptul echipei de producție este un pic mai întunecat și melancolic - mai ales în actele „lebădă” a doua și a patra - decât soluții mai tradiționale precum cele din Bolșoi, Teatrul Marin și Opera din Paris, de exemplu. În opinia mea, însă, această versiune ceva mai gotică se potrivește perfect cu muzica incomparabilă a lui Ceaikovski.

Baletul Regal îi place adesea să sublinieze cât de mult îi pasă de complot și acordă o atenție specială poveștii, personajelor și psihologiei lor. Deși, în unele cazuri, acest efort îmi vine mai mult (deci, câtă psihologie poate exista în „Concasorul de alune”), este demn de remarcat faptul că în „Lacul lebedelor” este evidentă diligența în această direcție. Libretul urmărește clasicii, respectiv cele mai mari diferențe față de versiunea jucată la Opera și Baletul din Sofia sunt prezența unui (spoiler alert!:)) sfârșit tragic și cel mai bun prieten al prințului - Beno - în locul unui bufon de curte. Acțiunea este continuată până la sfârșitul secolului al XIX-lea, în ultimii ani puternici ai aristocrației, când apusul ei a început să se simtă. Apreciez faptul că la începutul celui de-al doilea act s-a păstrat o pantomimă ceva mai lungă, când Odette „îi povestește” lui Siegfried despre blestem.

Alte soluții de scenariu nu au succes. De exemplu, Rothbart are un rol mult mai mare aici. În afară de a fi un vrăjitor malefic (cu machiajul adecvat în prolog și în scenele lacului), în alte acțiuni îl vedem ca parte a curții regale (ca să spunem așa, un civil), poate un fel de consilier al regină. Undeva am citit explicații că o astfel de decizie avea sens, deoarece publicul se întreabă în mod tradițional cum să perceapă aparițiile bruște ale magului în palat, dar, sincer, nu văd cum constanta atârnată pe scena unei figuri asemănătoare cu Rasputino care doar aruncă priviri mohorâte asupra prințului de-a lungul primului act, fără a participa activ la sărbătoare, contribuie la îmbogățirea imaginii. Motivația acestui Rothbart ambiguu nu este în întregime clară - la sfârșitul celui de-al treilea act, după ce Siegfried este înșelat și identitatea lui Odile este dezvăluită, palatul începe să se prăbușească și ticălosul ajunge la coroana reginei. Adică totul este un plan pentru uzurparea tronului? Dar care este legătura dintre blestemul prințesei lebedei și puterea din regat? Astfel de probleme și altele rămân nerezolvate.

O altă soluție care ar fi putut fi mai bună a fost sfârșitul. După cum am spus, aici este tragic (slavă Domnului!) - Odette, condamnată să rămână o lebădă pentru totdeauna, alege moartea și astfel pune capăt blestemului, iar după înfrângerea lui Rothbart Siegfried o găsește pe Odette în forma ei umană, dar moartă . Acest final este cu siguranță poetic, dar mi se pare că în majoritatea producțiilor din „Lacul lebedelor” coregrafii par să refuze în mod deliberat respectarea muzicii - și este, într-adevăr, tragic, dar aduce și indicii de optimism. De aceea, pentru mine personal, finalul original, în care cei doi îndrăgostiți se sinucid, și apoi sufletele lor apar împreună în viața de apoi, sună mult mai convingător.

Într-un interviu - parte a întâlnirilor Royal Opera și Ballet cu publicul - Liam Scarlett a spus că principala sa contribuție coreografică este în dansurile naționale ale celui de-al treilea act și un pas de deux final în al patrulea. Nu cunosc atât de bine istoria coregrafică a baletului și evoluția acestuia, așa că îmi permit să mă bazez pe opiniile criticilor britanici, potrivit cărora scenele lacului sunt în întregime după Lev Ivanov, iar în primul act unele scene cu corp de baletul a fost ușor scurtat, cu accentele ideii de a fi valsul și pa de trois conform lui Petipa. Ceea ce pot spune din punctul de vedere al profanilor mei este că primul act (precedat de un prolog cu o scenă de descântec a lui Odette) pare de fapt mai concis, ceea ce este bine, deoarece cel puțin pentru mine este în mod tradițional cel mai neinteresant balet.

Vedeți, dansurile naționale din actul al treilea - mingea - sunt altceva. În același interviu, Scarlett a spus că este cel mai îngrozit și îngrijorat de gândul la dansul spaniol, deoarece poate deveni foarte ușor un clișeu. Nu știu exact cum a intenționat să scape de clișeu, dar ventilatorul, rochia de pelerină, bolero-ul ușor taurin al partenerilor de dans și costumele roșu-negru nu par instrumentul potrivit. Coregrafia nu este rea, dar dacă trebuie să fiu sincer, amintește foarte mult de dansul spaniol din „Lacul” lui Rudolf Nureyev, pe care Opera Parisului l-a difuzat în timpul pandemiei. Separat, mi se pare că, deși are momentele sale spectaculoase, acest dans are cu siguranță probleme ascunse, deoarece de la videoclipuri de repetiție, DVD-uri și live - deși sunt interpreți diferiți, de fiecare dată există o problemă cu sincronia. De asemenea, cred că unele detalii despre costumul doamnei (în această versiune dansul este interpretat de patru dansatori de balet și o balerină) împiedică să se vadă liniile frumoase de pe spate și partea superioară a corpului ca întreg. În general, consider că coregrafia lui Danovski, interpretată la Sofia, este mai potrivită pentru această muzică.

Coregrafia lui Frederick Ashton este păstrată în dansul napolitan, este, desigur, destul de veselă, jucăușă, cu o idee mai rapidă. Mazurca în nici o versiune nu m-a impresionat mult și, așadar, se dovedește că, puțin surprinzător, chardash-ul a fost cel mai convingător dans național prezentat.

Spre deosebire de echilibrul ezitant cu dansurile naționale, adăugarea de deux din ultimul act este magică - nici mai mult, nici mai puțin. Mă voi întoarce din nou către criticii britanici, care descriu opera lui Scarlett ca „Lev Ivanov pur”. Nu am cunoștințe care să confirme sau să resping o astfel de afirmație, dar pot spune doar că impactul este magic și poate fi resimțit chiar și într-un videoclip al unui proces de repetiție.

Peisajul, așa cum am sugerat deja mai sus, este magnific - la scară largă în primul și mai ales al treilea act, melancolic și ușor tulburător în al doilea și al patrulea act. Este opera lui John McFarlane, a cărui lucrare am avut recent ocazia să o vedem (grație emisiunilor gratuite în timpul pandemiei coronavirusului) și în „Tosca” la Metropolitan Opera. Decorurile și costumele sunt extrem de frumoase și atinse până la ultimul detaliu, iar decizia pentru al treilea act este deosebit de impresionantă atunci când apare lebada neagră. În punerea în scenă a Baletului Regal, prima dintre cele două intervenții este după actul al doilea, iar când cortina este ridicată pentru următorul, efectul este cu adevărat „Wow”. Am fost la multe palate din Europa și îndrăznesc să spun că o astfel de splendoare, aurire și marmură pot fi văzute în foarte puține locuri. Acțiunea se încheie dramatic și cu aplomb - cu un accident, tunet, fum, mini-urmaș de lebede negre și distrugere.

Prima acțiune este decisă puțin mai neconvențional - are loc la porțile palatului, nu în interior. În consecință, costumele sunt ceva mai obișnuite - din nou foarte frumoase și detaliate, dar mai mult ca un ansamblu de zi fără acea splendoare a celui de-al treilea act. O mică problemă pentru mine personal sunt costumele pentru bărbați - dacă nu cunoașteți bine soliștii de balet, la început poate fi puțin dificil să înțelegeți cine este Beno (cel mai bun prieten al prințului Siegfried) și cine este Siegfried. Pe de altă parte, în spectacolele corpului de balet, în special în vals, ideea din aceste decizii este evidentă - asemănarea uniformelor militare în diferite nuanțe de domni se revarsă frumos în figurile dansurilor. În plus, deoarece acțiunea are loc la porțile palatului, o parte din decor este o pădure - ceea ce reprezintă o tranziție excelentă la următoarea acțiune.

Scenele lacului sunt mai minimaliste și mai intime, peisajul, așa cum am menționat mai devreme, se mișcă la granița dintre melancolie-sumbru-tulburătoare. Punctul culminant aici este imensa lună în galben dezactivat. Este demn de remarcat faptul că smocurile corpului de balet sunt extrem de frumoase (ceva ce îmi lipsește puțin în „Lacul lebedelor” de la Opera din Sofia), fără a fi aglomerat - blând, cu lungimea potrivită, asemănător cu penele reale. Deosebit de impresionant aici este iluminatul - opera lui David Finn. Numele acestui om merită menționat, deoarece opera sa creează o mare parte din atmosfera de basm a baletului.

Dar, fără îndoială, cel mai mare spectacol are loc în al treilea act. Am menționat deja decorurile, iar costumele nu sunt inferioare. Fondurile, ca să spunem ușor, nu sunt scutite și dovada acestui lucru sunt rochiile purtate de doamnele de la curte ale Reginei Mame - roluri fără dans și aproape fără nicio acțiune dramatică. Ei bine, hainele acestor doamne pot decora cu ușurință copertele „Vogue”, pot apărea la o recepție din Buckingham sau pe covorul roșu. Dansul și spectacolul, desigur, sunt cele mai importante, dar să nu ne lăsăm păcăliți - rolul decorului și al costumelor este imens, deoarece este mult mai ușor să intri într-un basm atunci când dezvolți imagini care par să provină dintr-o producție multimilionară de la Hollywood.

Impresiile mele despre costumele naționale sunt amestecate - pe de o parte, cele pentru chardasha și mazurca sunt foarte frumoase, pe de altă parte - cele spaniole sunt prea pline de farmec, iar cele napolitane sunt prea colorate. Este un pic ciudată decizia logodnicului prințului de a fi cu tutusuri clasice și alaiul lor (interpreți de dansuri naționale) - cu fuste lungi.

Punctul culminant aici, și poate în întreaga producție, este costumul negru al Odiliei, pe care Guardian îl numește pe bună dreptate „cel mai plin de farmec din lume”. În afară de a fi de acord, nu am de ales. După acest costum, cu greu voi putea impresiona în curând o altă decizie cu privire la viziunea Odiliei.

Dar, oricât de bune ar fi deciziile de punere în scenă, fără balerini și dansatori de balet talentați vor fi doar un pachet gol. Fără îndoială, marea majoritate a spectatorilor care au participat la Royal Opera and Ballet Building din Londra pe 12 martie 2020 (inclusiv eu) au fost acolo din cauza unui singur nume - Natalia Osipova. Un nume care nu trebuie prezentat.

După turneele rusești stelare de la Opera și Baletul din Sofia din ultimii ani (Svetlana Zaharova, Denis Rodkin, Artemy Belyakov, Ekaterina Krisanova, Ivan Vasiliev, Kimin Kim), a fost deosebit de interesant pentru mine să văd una dintre cele mai mari vedete ale baletului modern a părăsit Rusia. Așteptările mele erau mari și, deși nu erau pe deplin justificate, nu erau înșelate.

Osipova, așa cum se potrivește unei stele de această magnitudine, a fost extrem de stabilă tot timpul. Ceea ce nu mi-a plăcut uneori, mai ales în încarnarea lebedei albe, a fost poziția ușor ciudată a genunchilor și picioarelor - nu suficient de curată și perturbând puțin liniile armonioase ale coregrafiei (desigur, sunt un profan în ceea ce privește tehnica baletului și nu împovărați pe nimeni cu acea opinie). Problema mai mare a fost că, la fel ca Odette a lui Osipova, i se părea că îi lipsește ceva - ceva mai mult joc de rol, ceva mai multă tandrețe, vulnerabilitate, ceva mai multă devotament față de partenerul ei. Una dintre Marianella Nunez, Svetlana Zaharova și chiar Marta Petkova au fost pentru mine personal o lebădă albă mult mai influentă. Parametrii tehnici erau acolo - așa cum am spus, Osipova era foarte stabilă și este dificil să găsești ceva pentru care să o critici - dar se părea că mai exista un suflet mic în rol. Și totuși pa de deux din actul secund - momentul meu preferat în balet în toate versiunile sale - a reușit să mă facă să mă simt din nou.

Situația cu lebada neagră și cu al treilea act a fost complet diferită. De la apariția balului, până la pas de deux, variația, fuetele emblematice până la triumful final de rău augur asupra nefericitului prinț - performanța lui Osipova a fost de așa natură încât spectatorul nu este dificil să înțeleagă de ce Siegfried ar alege Odile. Extrem de fermecător, puternic, magnetic, dominând întreaga scenă. Cu greu se poate dori ceva mai mult decât această imagine. O impresie uriașă, în special în varianta lui Odilia, mi-a făcut controlul și echilibrul excepțional pe care îl are Osipova. Pictogramele iconice 32 au fost efectuate la viteze mari, cu schimbări impresionante în poziția mâinilor după aproape fiecare viraj - deși nu pot să jur 100% că am văzut toate cele 32 de piese.

Conform planului, partenerul lui Osipova avea să fie nu mai puțin talentat dansator de balet american David Holberg. Din păcate, cu o săptămână mai devreme, participarea sa la acea dată a fost anulată din cauza angajamentelor față de Baletul australian (unde urmează să devină director artistic anul viitor) și rolul a fost acordat tânărului Reese Clark - în prezent solist la Covent Garden (conform la ierarhia internă). al trupei de deasupra soliștilor sunt primii soliști și primatele și primii miniștri). Nu știu cât timp Clark a trebuit să se pregătească pentru rol, dar nimic din performanța sa nu a trădat incertitudinea sau anxietatea. Reese Clark este elegantă, dansează grațios și precis și este extrem de potrivit pentru așa-numitele „Roluri princiare” în baletul clasic. El și Osipova s-au asociat perfect. Ei bine, da, partenerul nu avea acest factor „wow” al marilor vedete, din cauza căruia fanii parcurg mii de kilometri. Dar, având în vedere faptul că în seara asta a fost probabil debutul său în acest rol, cu Reese Clark prezentat are toate premisele pentru o carieră de dans foarte reușită. În acest scop, totuși, el trebuie să-și sublinieze calitățile de actorie, deoarece lipsa de chimie dintre el și Osipova a fost cel mai grav neajuns al spectacolului.

Un alt tânăr solist, Benjamin Ella, a jucat un rol bun ca Beno. Și aici, la fel ca versiunea lui Danowski (unde această imagine este înlocuită de un bufon de curte), prietenul lui Siegfried are coregrafii mult mai spectaculoase, iar Ella le-a prezentat convingător. Un pic dezamăgitor a fost încarnarea lui Gary Avis ca Rothbart. Avis este unul dintre doyens în rolurile de pantomimă din Covent Garden și este magnific ca Droselmeyer în The Hazelnut Crusher, dar aici nu a fost nici suficient de sinistru, nici suficient de manipulator. Am fost foarte impresionat de Mayara Magri ca parte a perechii de lebede mari, precum și de Romani Paidak în chardasha și cele patru lebede mici.

Dar adevăratele vedete ale serii au fost, fără îndoială, corpul de fete de balet. Deși a existat o oarecare asincronie în vals în primul act, acesta a rămas singurul moment mai slab din balet.

Pe de altă parte, la fel ca lebedele, corpul de balet era incomparabil. Pentru un om ca mine, care până acum nu știa decât versiunea lui Danovski și Grigorovici, impactul coregrafiei lui Lev Ivanov în scenele lacului era de nedescris. Și balerinele baletului regal au fost impecabile în aceste scene - de la început până la sfârșit. Sincronie perfectă, poziționare și mișcare perfectă pe scenă, rânduri subțiri, linii frumoase. Cu greu se poate dori ceva mai mult decât un corp de balet. Dansurile lor, nu ale lui Osipova, rămân punctul culminant al serii pentru mine - pentru că, cu performanța lor, aceste sub 30 de fete arătau ca cel puțin 50 de frumoase lebede albe, ca niște viziuni fabuloase sub lumina lunii, recreate atât de frumos de echipa de iluminat .

Câteva cuvinte despre orchestră - de fapt nu sunt multe de spus - fără cusur, sub bagheta lui Cohen Kessels, cu concertistul Serghei Levitin.

În cele din urmă, aș dori să împărtășesc câteva impresii despre instituția însăși. Spre deosebire de La Scala, rezervarea de bilete online a decurs extrem de ușor aici, chiar și cu cardul meu de debit problematic de obicei în Occident. Programele vândute pentru spectacole (pentru 8 lire sterline) sunt extrem de informative, cu articole scrise de profesori și cercetători de artă, de la care toată lumea - indiferent dacă este un laic sau un fan hardcore - poate învăța multe. Chiar visez să vedem într-o zi astfel de programe și în țara noastră. Atmosfera este mult mai favorabilă decât în ​​„La Scala”, există mai multe baruri și restaurante unde puteți petrece timpul în timpul pauzei sau puteți vedea costumele din producțiile anterioare (care se schimbă periodic), afișate la diferite etaje - de exemplu, pachet de Margo Fontaine din „Frumoasa adormită” sau rochia lui Joan Sutherland din „La Traviata”.

În concluzie: este foarte dificil să puneți clasici consacrați, deoarece, pe de o parte, fiecare are o idee despre cum ar trebui să arate. Au fost jucate de atâtea ori încât se pot plictisi foarte ușor. Pe de altă parte, este dificil să prezentăm o nouă lectură care să păstreze în același timp spiritul originalului. În acest sens, versiunea Liam Scarlett despre Lacul lebedelor pentru baletul regal este o realizare. Ea a păstrat tot ceea ce a transformat „Lacul lebedelor” într-o legendă, oferindu-i și mai mult context și profunzime cu soluțiile scenografice magnifice și performanța impecabilă a corpului de balet.