carne

„Și cine ar fi un asemenea barbar să nu înțeleagă că piciorul unui om este mai nobil decât pantoful său și că carnea lui este mai nobilă decât cea a mielului cu care este îmbrăcat? Michelangelo Buonarroti

Când intrăm într-o galerie, suntem obișnuiți să întâlnim imagini cu figuri umane goale, fie pe tablouri, fie sub formă de sculpturi din piatră sau alt material. Când stăm în fața operelor lui Degas, lăudăm realismul situației și nepretenția lor; când ne apropiem de figurile lui Rubens, suntem impresionați de textura pitorească pâlpâitoare, care amintește atât de mult de carnea reală; când ne uităm la sinceritatea lui Lucien Freud, suspinăm cu siguranță că modelele care sunt foarte departe de idealul antic al frumuseții fizice sunt acceptate și în arta înaltă. De secole, publicul nu s-a obișnuit doar cu aceste forme, ci le-a așteptat. Totuși, această anticipare calmă se transformă instantaneu într-o ușoară anxietate, când în loc de un piept nemișcat de marmură rece, un adevărat om viu viu care participă la o reprezentație fizică ne așteaptă în galerie.

O formă bogată și interdisciplinară, performanța este o artă vie la care publicul are o reacție foarte imediată. Începând să prindă contur la începutul secolului trecut odată cu apariția unor mișcări precum DaDa, futurismul și constructivismul rus și atingând un nivel de dezvoltare extrem de sofisticat în a doua jumătate a secolului al XX-lea, a atras rapid atenția privitorului datorită efemeritatea ei. Este ireversibilitatea sa, care nu permite o reexperiență deplină a evenimentului, ascute simțurile privitorului și reușește să-l pătrundă rapid și direct. Performanța, spre deosebire de alte forme de artă, este rareori folosită pentru divertisment și, prin intermediul ei, artiștii exprimă în mare parte idei conceptuale complexe. În primii ani ai vieții sale, el a servit drept antiteza teatrului, exprimând rebeliunea împotriva majorității ideilor ortodoxe din artă. Astăzi, însă, putem spune în mod liber că performanța a devenit o parte integrantă a scenei de artă contemporană, pentru care se fac chiar programe în școlile de artă. Este indicativ faptul că primul artist viu căruia MoMa Gallery din New York îi are o expoziție retrospectivă este Marina Abramovich, poate cea mai importantă artistă de performanță contemporană.

Hermann Nietzsche - Acțiunea 130, 2010 (http://www.palazzobembo.org/, Foto: Global Art Affairs Foundation. Amabilitatea: Museo Hermann Nitsch)

Un alt artist activ în acest domeniu în anii 1960 a fost șocantul avangardă austriacă. Herman Nietzsche. Între 1962 și 1998, a pus în scenă o serie de aproape o sută de spectacole ca parte a proiectului său, Teatrul Orgiastic și Misterios. Acțiunile organizate de el sunt caracterizate de extreme ale magnetismului dionisian și includ adesea utilizarea corpurilor umane goale, a sângelui real, a animalelor sacrificate și jupuite și a măruntaielor lor. Spectacolele bacanale ale lui Nietzsche sunt puternic ritualizate și explorează extremele de care este capabilă natura umană. Deseori criticat pentru că a exploatat extrem de obsesia culturală a violenței, el a avut în repetate rânduri probleme serioase cu autoritățile. Cu toate acestea, Nietzsche rămâne unul dintre coloșii artei de performanță, care a ridicat această formă de exprimare la un nivel aproape metafizic, tocmai datorită extremității îmbătătoare a operelor sale, care trezește Bestia în subconștientul uman. El este, de asemenea, o influență importantă pentru unul dintre cei mai activi reprezentanți ai artei contemporane bulgare, și anume Ventsislav Zankov.

„Roșu 1” de Ventsislav Zankov, 1991, Grădina Doctorului, Sofia. (http://zankov.info/)

Unul dintre cele mai actuale exemple mondiale este artistul italian Vanessa Beecroft, ceea ce face configurații vizual incitante de manechine nemișcate, conectate conceptual la spațiul pentru care este destinată lucrarea. În aceste instalații de performanță, Beecroft folosește adesea corpuri feminine pur goale, provocând un sentiment de voyeurism în privitor și creând o încurcătură complexă de asociații care decurg din operă și din acumulările istorice ale toposului unde este prezentat. Cu toate acestea, în ultimii ani, artista italiană a început să-i îmbrace pe participanți în spectacolele sale și lucrările sale devin treptat manechine amenajate elegant pentru o ședință foto de modă. Aici se poate face o paralelă cu activitatea designerului și artistului de performanță bulgar Mariela Gemisheva, ceea ce creează, de asemenea, o mulțime de promoții care se află la granița dintre prezentările de modă și evenimentele conceptuale. Una dintre spectacolele ei, în care există o nuditate considerabilă, este intensul „Fashion Fire” din 2003, în care modelele defilează prin curtea stației de pompieri din capitală, unde arde un foc mare, își scot hainele și le ard. ostentativ.

Mariela Gemisheva - Fashion Fire, 2003 (http://www.marielagemisheva.com, Captură de ecran: Kalin Serapionov)

Un alt bulgar activ în acest domeniu al artei contemporane este artistul, feminist și transumanist. Boryana Rossa, care a lucrat cu Mariela Gemisheva la unele dintre proiectele sale. O artistă consacrată în Europa și Statele Unite, prin spectacolele, instalațiile și documentația ei, Rossa examinează locul omului în lume, rolurile sexelor în societate și propriile sale experiențe. Munca ei implică deseori dezbrăcarea completă, uneori chiar supusă unor intervenții dureroase - de exemplu, își coase brațele și picioarele goale împreună în spectacolul „Whole Body”, prezentat la New York în 2007. Este de admirat că după aceea trebuie să fie supusă unei mastectomii duble., Rossa nu ascunde schimbările din corpul ei, ci dimpotrivă, le folosește cu mândrie și cu putere în munca ei, chiar însoțită de o doză semnificativă de umor.

Tunica Spencer, 2012 (https://photogrist.com/spencer-tunick/)

Deși nu este tocmai un artist de performanță, merită menționat munca fotografului american Tunica Spencer, ale cărui proiecte abordează monumentalitatea artei ecologice a lui Hristo Yavashev - Christo. Tunica, a cărei lucrare este de obicei documentarea foto a unor scene de nud la scară largă, care prezintă deseori peste zece mii de voluntari, fotografiați în diverse locuri provocatoare din punct de vedere vizual sau istoric din întreaga lume, își vede opera ca pe niște instalații și fotografii de performanță. El a filmat deja peste șaptezeci de astfel de instalații umane, în care indivizii devin module ale întregului, până când începe să semene cu o singură masă, abordând abstractismul și trecând dincolo de personalitățile sale constitutive și de sexualitatea lor. În acest fel, autorul rearanjează în mod semnificativ înțelegerea nudității și pune la îndoială limitările relației dintre om și mediul său.

Milo Moire - PlopEgg, 2014 (http://www.blick.ch)

Puternic influențat de Abramovich și de artistul german Josef Boyce, conceptualistul și modelul elvețian Milo Moire este adesea aspru criticată pentru, la prima vedere, sfidarea elementară a spectacolelor sale și a fost, de asemenea, arestată de mai multe ori pentru nuditatea ei în public și în public. Absolventă a psihologiei cu un succes strălucit, spectacolele ei sunt deseori la un pas de pornografie și oferă imagini provocatoare și interacțiune cu publicul, în care uneori, la fel ca Valley Export, permite trecătorilor de pe stradă să-și atingă sânii sau vaginul. Una dintre cele mai faimoase acțiuni ale sale este „PlopEgg”, prezentată în 2014 la Köln, în care își înfundă ouă pline de vopsea în inghină, apoi stă deasupra unei pânze și „le naște”. Aceștia cad pe pânză, se sparg și vopseaua produce o pictură abstractă în acțiune. Moire spune că este important pentru ea să lucreze direct cu sursa feminității sale, adică a vaginului.

Corecții, expoziție permanentă 1996-98, DHM Dresda (www.rassim.com)

Un autor bulgar contemporan, despre care se poate spune că creează prin modificări în corpul său într-un mod similar, dar mult mai moale și nu atât de implicat social, ca Piotr Pavlenski, este Krassimir Krastev - Rassim. La începutul noului mileniu, a realizat două proiecte numite „Corecții” și „Corecții 2”. În prima, el trece printr-un an de antrenament riguros în culturism pentru a-și sculpta corpul în asemănarea cu „David” -ul lui Michelangelo și abordează astfel tema idealului frumuseții masculine și dezvoltarea acestuia de-a lungul secolelor. În al doilea său proiect, Rasim a fost circumcis la o clinică belgiană, iar procesul a fost generos înregistrat video. Cu această următoare „corectare” în corpul său, el nu numai că deschide ușa noilor senzații, dar se apropie și el fizic de ideea de unificare a tuturor religiilor.

Yavor Gardev - Hamlet, 2013 (http://bulevard.bg/, foto: Simot Versano)

În multe cazuri, corpul gol de pe scenă este mai ușor perceput de spectatori, datorită sentimentului de siguranță pe care îl au, cauzat de imaginarul al patrulea perete dintre actori și public. Dezbrăcarea completă este mai frecvent utilizată în coregrafie și teatru fizic, unde figura umană nu acționează singură, ci ca parte a altceva, ca un modul într-o încurcătură caleidoscopică a altor corpuri care desenează simboluri și semne. În aceste cazuri, corpul îmbrățișează adesea noi conotații și devine parte a materiei complexe din care este realizată opera conceptuală. Coregraful francez lucrează cu o interpretare similară a figurii umane Olivier Dubois și omologul său grec Dimitris Papaioano. Pe scena bulgară, nuditatea efectivă apare în producțiile regizorului Yavor Gardev, precum „Hamlet” la Teatrul Național și „Caligula” la Teatrul Varna, precum și în spectacolele provocatoare ale Ivo Dimchev - un artist multifuncțional care interpretează teatru fizic.

Ivo Dimchev - Lily Handel, 2004 (https://vimeo.com/, Foto: Tamas Katko)

Corpul gol este un mijloc puternic de exprimare. Ne afectează atât de puternic, nu doar pentru că în el ne recunoaștem la primul nivel de semnal, ci și pentru că, cu milenii de istorie umană, este stratificat cu multe semnificații culturale care reflectă înțelegerea noastră despre gen, frumusețe, rasă, sexualitate, etc. Kenneth Clark observă că în corpul uman găsim doi poli diferiți ai percepției noastre de sine. Acestea sunt credința în propria noastră divinitate moștenită din antichitatea greacă și cea mai mare nenorocire și rușine a noastră, și anume Căderea mitologiei creștine. Cu astfel de acumulări semnificative, este perfect normal ca o figură umană goală să aibă sens și să contribuie la impactul deplin al operei în multe situații artistice, dintre care multe sunt legate de performanță.