La fel de Varna24.bg a anunțat, după o boală gravă, Todor Ignatov - Toni ne-a părăsit!

amintirea

Centrul de presă al Teatrului și Centrului de Producție Varna a trimis un memoriu într-un interviu cu prietenul de neuitat, scenograful Todor Ignatov, care a părăsit pământul pe 17 noiembrie 2020, publicat în cartea „Biased. The Theatre of Varna”, de Violeta Toncheva din 2017.

"-În sezonul creativ de 95 de ani al Teatrului Dramatic de la Varna, scenograful Todor Ignatov își sărbătorește cariera creativă de 40 de ani pe scena sa și a împlinit 65 de ani. Atâta vacanță într-un singur loc, într-un singur teatru - în Teatrul Varna, de neimaginat fără artistul său.

-Am absolvit scenografia la Academia de Arte Nikolai Pavlovich din Sofia și am fost repartizat la Varna la cererea mea. Am avut ocazia să aleg între multe scene, dar am vrut să fiu pe mare. Nu a existat nicio post vacant pentru un scenograf în Burgas. În același timp, profesorii Grisha Ostrovski și Zhelcho Mandadjiev tocmai începeau să lucreze la Teatrul Varna și luau cu ei tineri din clasa lor, așa că am ales Varna. Când m-am prezentat profesorului Mandadjiev, el mi-a spus că este în căutarea unui artist matur, dar am obiectat că am studiat la Liceul de Artă și Academie pentru un total de 10 ani, adică mai mult de patru ani de actori. la VITIZ, deci experiența mea de fapt, nu este mică.

-Încrederea de la început.

Stima de sine este importantă în fiecare etapă a vieții. Începutul meu la Teatrul Dramatic de la Varna a fost cu „Orașul nostru” de Thornton Wilder, în regia lui Andrei Kaludov, care a fost pus în scenă la VITIZ și l-am restaurat, dar într-un mod diferit. Următoarea mea producție a fost „Moschetul cinstit” de Valeri Petrov. Cu câteva luni mai devreme, fusese pusă în scenă la Teatrul Militar. Oricât de modest s-ar părea, producția noastră a ieșit cu cel puțin trei niveluri mai bună decât cea a Teatrului Militar. Pentru ea am primit superlative, susținute de o sticlă de whisky, de la marele scenograf Nikolay Sarchadzhiev, care în același timp absolvise „Frumoasa mea doamnă” la Teatrul Varna și a participat la premiera „Honestului mușchetar”. Am avut și o dedicație de la autorul Valeri Petrov, care scria: „Pe al patrulea mușchetar cu pensula”.

Până am ajuns la decizia finală, am prezentat aproximativ 25 de versiuni scenografice ale lui Grisha. Am muncit toată ziua, chiar dormind în teatru, pe ascuns de la pompieri. Chiar înainte de Anul Nou, când toată lumea era deja în vacanță de sărbători, mi-a venit o nouă idee, am început imediat să fac modelul, am terminat până seara și am luat trenul spre Sofia. Grisha m-a întâlnit la gară, ne-am dus la ei și i-am spus ce am în minte.

Întrucât Valeri Petrov a scris un scenariu pentru un film în care acțiunea se desfășoară foarte dinamic, mi-a venit în minte să prezint mușchetarii drept chișiți care se luptă cu morile de vânt. Aceasta a fost decizia noastră - de fapt, viața din jurul lor reprezintă segmente de elice pentru mori de vânt. Fiecare imagine era ca o aripă de moară, iar când toate imaginile erau suprapuse, roata morii se învârtea. Când am demonstrat modelul, Grisha m-a bătut pe umăr și mi-a spus: „Omule, scenografia ta este directă pentru Covent Garden, dar nu și pentru Bulgaria”.

Ne gândim de multă vreme dacă este posibil să realizăm deloc ramura. Directorul tehnic al Satirei ne-a ajutat cu calcule aproximative, care au arătat că structura va cântări tone, chiar dacă este din duraluminiu. Prostii absolute, mai ales că întreaga clădire trebuia ridicată în aer, iar înălțimea scenei nu o permitea. Entuziasmul meu s-a topit, am fost inundat parcă cu apă rece. Atunci Grisha, nu voi uita niciodată, mi-a spus: "Nu dispera, tânărule, cele mai bune lucruri sunt lucrurile simple. Ideea ta este grozavă și o vom face să se întâmple, dar într-un mod diferit, mai teatral." Așa am obținut ușurința dorită.

-Ca în Covent Garden.

-Hmm. (el zambeste). Îmi amintesc că directorul tehnic, când a văzut modelul, a menționat și ceva despre Covent Garden, iar această re-asociere nu a putut să nu mă măgulească. Atât directorul, cât și directorul tehnic, cu experiența lor, mi-au sugerat că același efect ar putea fi realizat într-un alt mod. Aceasta a fost prima mea lecție, primul meu botez - teatrul este magie. Și cu cât ești mai profesionist, cu atât poți face mai multe vrăji. Dar înainte ca magia să se întâmple, trebuie să câștigi experiență.

-Scenografia este prima întâlnire a spectatorului cu punerea în scenă, prima impresie și asta - știm, este cea mai importantă. Te gândești la asta atunci când începi noul proiect?

-Teatrul este o artă sintetică, dar influențează în principal prin scenografia și costumul său. Înainte de a afecta publicul, scenografia îi afectează pe actorii înșiși. Chiar și în timpul repetițiilor, scenografia îi predispune la piesa teatrală, le reglează simțurile, le deblochează imaginația. Actorii sunt ca niște copii și dacă mediul din jurul lor este adecvat, încep să aibă încredere unul în celălalt și acest lucru îi ajută să introducă o imagine care este luată în considerare de regizor și artist. Dacă decorul este steril, acesta nu va afecta actorii sau publicul. Adevărata scenografie nu trebuie să fie experimentată singură. Nu este un scop în sine, ci servește ideii spectacolului. Nu ar trebui să fie necesar, nu ar trebui să interfereze cu spectacolul. Este ca și cum respirați o persoană - este natural și nu interferează. Scenografia bună se simte prin intermediul actorilor.

-Ce părere aveți despre designul luminii, care în teatrul modern poate înlocui complet scenografia tradițională? Recent am văzut o astfel de producție de „Madame Butterfly” la Opera Bastia din Paris, în care - cu excepția a două mici detalii - toate soluțiile scenografice au fost executate secvențial numai prin intermediul proiectării iluminatului.

Foarte provocator. Aș vrea să fac așa ceva, dar din păcate în Bulgaria nu avem pregătirea tehnologică pentru asta.

-În cei 40 de ani de scenografie, care sunt acele principii care nu v-au înșelat niciodată?

Da, am astfel de principii. Nu mă țin niciodată de remorci. Îmi place să caut neașteptatul, specialul, expresivul. Încerc să găsesc un alt mediu, diferit de cel al dramaturgului. Și respect întotdeauna ideea regizorului pentru spectacol.

-Ce tandem sunt regizorul și scenograful?

-Toată viața mi-a fost teamă că sunt la înălțimea regizorului. Se gândește la lucruri de multă vreme, a citit piesa, are distribuția în minte, poate trăiește de ani de zile cu ideea producției și trebuie să-l ajung din urmă brusc. Așa s-a întâmplat cu Stoyan Kambarev și cu producția emblematică a lui "Black Hole" de Goran Stefanovski. Nu mi-a plăcut piesa la prima lectură, apoi am mai citit-o de câteva ori, mi s-a părut absurdă. și abia după cea de-a patra lectură mi-am dat seama de calitățile ei. Despre ce vorbea Black Hole s-a întâmplat mai târziu în evenimentele iugoslave individual. Am visat soluția scenografică - salonul ramurii ca o gaură neagră care ne aspiră.

Spațiul ramurilor plângea doar pentru această piesă. Lui Stoyan Kambarev i-a plăcut foarte mult ideea, dar a spus că există o problemă, deoarece spectacolul era programat să se desfășoare pe scena mare din cealaltă clădire. Ideea mea ne-a unit și am început să lucrăm pentru spectacol în filială. Dar acesta nu a fost sfârșitul problemei. Trebuia să ne asigurăm că cercul va rezista la încărcătura publicului, deoarece sugestia mea a fost ca publicul să fie în cerc și, întorcându-se, să le prezinte imaginea relevantă din spectacol. Scenele au fost aranjate în jurul cercului și prin rotire am determinat ce putea vedea publicul. S-a dovedit că cercul a rezistat încărcăturii și am început să lucrăm. Producția în sine a rămas ca una dintre emblemele teatrului nostru, am jucat-o în săli aglomerate din Sofia și Moscova.

„Zbor peste cuibul cucului” de Dale Wasserman de Stancho Stanchev a obținut un succes similar. A fost jucat timp de trei sezoane la Varna, poate că ar fi durat mai mult, dar actorul principal Vesko Tsanev a mers la Sofia. Am prezentat spectacolul în satiră și în „Lacrimă și râs”, unde rulează versiunea lor a aceleiași piese. Spectacolul nostru a făcut o astfel de impresie că, în cele din urmă, interpreții principali au fost purtați de actorii din „Lacrimă și râs”.

Această producție a atins o înălțime unică din toate punctele de vedere. Soluția scenografică a fost un perete despărțitor cu plăci de faianță în formă de paralelipiped, care se termină cu un turn de observație la un capăt, ca în lagărele de concentrare. Deasupra ei atârna o încurcătură de tuburi care erau vopsite cu culori ultraviolete - albastru, galben, roșu, iar în schimbări, când scena se întuneca, străluceau ca un neon. Erau o asociație de neuroni și semănau cu bătăile unui creier. Și zidul evoca asocieri între ceva între sterilitatea spitalului și un abator. Când peretele stătea în față, o altă imagine se încărca în spate, astfel încât imaginile se schimbau constant. Geniul care s-a întâmplat, după părerea mea, este această felie de zi a bolnavilor mintali, deoarece, conform remorcilor, acțiunea a avut loc doar într-o singură cameră de spital. Și Stancho a făcut-o astfel încât, fără exemple precum filmul lui Milos Forman sau cartea lui Ken Kissy în traducere (au ieșit mai târziu), el a arătat viața acestor oameni toată ziua - în camera de studiu, la toaletă, în sufragerie și în sala de operație, cu fiecare imagine, fiecare scenă se învârte în sunetele unei muzici grozave.

-Aceste și alte mari decizii scenografice ale dvs. au câștigat premii doar pentru că nu au fost stabilite premii majore de teatru în acel moment. Pe de altă parte, pentru „Casa” de Anton Strashimirov, în regia lui Boyko Bogdanov, a câștigat Premiul I din Revista Națională de Teatru și Teatru Bulgar.

-Da. Se poate spune că pentru unele dintre cele mai bune seturi ale mele am fost amândoi fericiți de soartă pentru că am avut norocul să le fac și au fost deteriorați pentru că nu am primit nicio recunoaștere oficială pentru ei. Dar primul lucru pentru mine este esențialul și nu mă pot plânge de lipsa premiilor. Și „Casa” a avut și ea lunga și interesanta sa istorie. I-am oferit regizorului aproximativ 25 de concepte scenografice diferite - casa din stânga, casa din dreapta și în diferite unghiuri. Boyko era încă nemulțumit până când în final am gemut și i-am spus - să mergem în cele din urmă într-o direcție, ca să știm ce facem. Pentru că poate fi așa, și așa, și așa. Am căutat simboluri, am trecut prin toate până am găsit cea mai exactă soluție - un schelet pe acoperișul unei case, o grindă care ocupă diferite poziții în raport cu corpurile de iluminat. Casa avea o fundație, dar în același timp ar putea fi ca o insulă sau un ring de box, unde au avut loc evenimentele, desprinse într-un mediu neutru în care actorii intră și ies. Urcând pe această mică scenă, actorii sunt personajele și, în jos, devin cetățeni obișnuiți cu comportamente diferite. Producția a vorbit mult despre situația din Bulgaria la acea vreme și în acel moment unele linii cheie păreau aproape înfricoșătoare.

-Pentru care dintre proiectele dvs. scenografice emoția este atât de vie?

-Sunt multe, dar permiteți-mi să menționez „Lorenzacho” de Alfred de Musset de Rusi Karabaliev și „Thomas Beckett” de Jean Anouilh de Borislav Chakrinov. Am lucrat cu o mulțime de regizori, m-am înțeles cu toată lumea, dar cu Krikor Azaryan în „The Road to Mecca” de Fugard Atoll am fost un adevărat tandem.

A citit piesa ca pe un basm, am discutat fiecare imagine, ce și cum vom face, am trecut la următoarea imagine, am visat ce se poate adăuga, apoi ne-am întors și așa mai departe, până când am venit după imagine cu noul nostru basm. Un proces foarte creativ și foarte fascinant, în care am văzut cum puzzle-ul diferitelor lucruri este asamblat treptat și capătă un aspect din ce în ce mai complet. Ne-am gândit, ne-am schimbat, am făcut totul împreună și asta ne-a adus mari satisfacții.

Dacă scenograful și regizorul lucrează separat - scenograful spune ceva, directorul îl aprobă sau nu, există încă momente de cooperare și coordonare. Dar energia este complet diferită atunci când cei doi sunt o echipă, cum ar fi șoferul și mașina lui în timpul unei curse de pilot. În orice caz, scenografia nu ar trebui să fie intruzivă, ci să servească procesului, ideii.

Scenografia nu ți-a împiedicat niciodată munca de artist, construiești aceste două universuri paralele cu o consistență de invidiat și fac parte integrantă din rolul tău de artist. 168 de producții, 8 scenografice și 17 expoziții de pictură solo vorbesc de la sine. Dar ce se întâmplă când universurile scenografului și ale artistului se intersectează?

Această influență există. Am picturi inspirate de viziuni scenografice și invers - starea picturilor mele se simte în deciziile scenografice, mai ales la început. L-am găsit recent când mă uitam prin arhiva mea.

-Cum se nasc picturile tale - pleci de la idee, culoare, emoție sau altceva?

-Încep mereu de la idee, altfel îmi este imposibil.

-Care este o abordare scenografică.

-Așa se dovedește. Am primit câteva dintre ideile mele bune din plein airs la care am participat. De exemplu, în Königsberg (Kaliningrad) m-am inspirat din orașul antic cu numeroasele sale canale, numite odinioară Veneția de Vest, care păstrează încă o parte din spiritul lui Immanuel Kant și E.T.A. Hoffman - filozoful și scriitorul care a avut o influență uriașă asupra culturii mondiale. În jurul orașului există sate în care toate casele sunt situate printre copaci, ca în basme, le păstrează ca și copii. Când construiesc o casă pentru a nu răni copacii din jurul ei, o învelesc cu saltele; este de neimaginat ca cineva să taie un copac, clădirile și cărările îl înconjoară și această regulă este acceptată de toți.

Am fost odată atrasă de o frumoasă biserică gotică de dinainte de război, cu o orgă. Am început să intru, dar niște bărbați mari m-au împins necerimonios la poarta curții. S-a dovedit că biserica a fost „însușită” de un compozitor parlamentar, care a refuzat accesul publicului la ea pentru a scrie muzică de orgă netulburată. A doua zi mi-am întins trepiedul peste gard. La acea vreme, o echipă de la televiziunea locală a trecut întâmplător, s-a oprit lângă mine și le-am spus că nu am întâlnit niciodată un „lord feudal modern” care să conducă o biserică ca moșie proprie. Televiziunea a transmis reportajul, iar a doua zi „lordul feudal” împreună cu gărzile sale de corp au dispărut și oamenii au trecut din nou pragul templului lui Dumnezeu. Primarul mi-a mulțumit personal, m-a invitat în biroul său și am devenit brusc o celebritate.

Am primit chiar porecla „Bulgarul” sau „Mascota artistului” din orașul Svetlogorsk. M-au tot acordat atenție, aducându-mi o ceașcă de ceai sau clătite în timp ce pictau, iar aceste gesturi emoționante se repetau în fiecare an. Și pentru muzeul în aer liber mi-au luat chiar și pălăria cu boruri largi, de care nu m-am despărțit niciodată.

-În afară de peisaj, te interesează portretul și mai ales clovnul. Este o chestiune de onoare pentru colecționarii tăi să aibă, printre alte opere ale tale, un Arlequin.

-Tema clovnului îmi este dragă pentru că este legată de teatru, de circ, pentru că dă libertate imaginației, permite mai multă culoare, este o ocazie pentru un costum care este aproape de teatru. Îmi aduce dispoziție, iar soarta clovnului îmi este familiară și apropiată de mine. Eu însumi m-am simțit așa, fiecare artist poartă această îmbrăcăminte uneori. Când nu râzi de el, dar trebuie să râzi și asta râde prin lacrimi sau invers. Acesta este sertarul din care trebuie să te scoți, ca în acea mare carte a lui Leon Daniel, „Sertarul regizorului”. Aceasta este trecerea în actorie, care moare la sfârșitul spectacolului, apoi trebuie să renască din nou și să moară din nou. Cum să o desenezi. "