Dr. Ales Hrdlichka

film

Invenția metodei de imagistică fotografică a fost primul impuls care a dus la următorul tip de documentație optică - cinematografia. Acestea sunt cele două invenții tehnice care au căutat de mult timp să se „încadreze” pe deplin în domeniul artei. Înainte de aceasta, fotografia și filmul trebuiau să-și găsească propriul limbaj artistic.

І. INTRODUCERE

Este evident că diferitele tipuri de artă s-au influențat reciproc pe parcursul dezvoltării lor istorice și că și-au dat reciproc impulsuri inspiratoare. În secolul al XIX-lea și în special în secolul al XX-lea, toate componentele, în cazul nostru al artei vizuale, grație schimbărilor dramatice din societate, au fost decisive pentru dezvoltarea în continuare a artei în ansamblu. Noile mijloace picturale încep să joace un rol decisiv în formarea culturii moderne. Două fenomene ale timpului nostru - fotografia și filmul - aparțin exemplelor emblematice și mai mult decât actuale de inspirație bidirecțională.

Dar paradoxul este că fotografia, cu un avans de aproximativ cincizeci de ani în ceea ce privește dezvoltarea sa istorică, nu și-a folosit propriile mijloace de expresie. A început să le aplice numai sub influența cinematografiei. Este vorba în primul rând de forma cadrului - nu numai despre utilizarea detaliilor și a diferitelor unghiuri, ci și despre schimbarea distanței focale, atât de necesară pentru cinematografie. Fotografia, sub influența noilor impulsuri din cinematografie, capătă brusc o nouă dinamică. Datorită filmării „noi, cinematografice”, subiecții din fața camerei prind literalmente viață. Lentilele interschimbabile din fotografie sunt cunoscute din 1851 (Richard Willats au construit prima cameră pentru utilizarea lor), dar utilizarea lor creativă a avut loc numai după răspândirea camerelor de film (așa-numitul „format similar”), care sunt strâns legate de dezvoltarea cinematografiei. Oscar Barnack (creatorul primului „Leica”) folosește capacitățile „camerei cu mușețel” și pentru „filmare” ca o oportunitate de a verifica expunerea.

Următorul instrument pur cinematografic este „editarea filmului”, care a inspirat fotografia să folosească colajul și să „redescopere” fotomontajul. Cu ajutorul său, fotografia reușește să-și îmbunătățească expresia în termeni de dinamică, ritm și varietate a propriului limbaj, atitudini creative și tehnici atât de tipice timpurilor moderne. Pentru a impune o nouă viziune asupra realității subiectului, fotografia trebuie să fie mai ales recunoscătoare cinematografiei revoluționare rusești. Imaginile individuale din lucrările lui Vertov, Eisenstein și Pudovkin sunt deosebit de dinamici și, în același timp, subliniază sunetul lor expresiv. Influența operelor acestor autori s-a reflectat aproape în toată lumea. Scopul principal al generației viitoare din anii 1920 a fost să caute și să experimenteze.

Avangarda cinematografică este orientată în două direcții principale:

Avangarda a apărut la începutul secolului al XX-lea în Franța, influențând dezvoltarea artei cinematografice - în special a documentarului și în toate țările europene. Este remarcabil faptul că primele filme ale avangardei franceze au fost filmate de „non-cinematografi” (De exemplu: Man Ray, Fotograf și pictor american: „Reveniți la rațiune”; „Baletul mecanic al pictorului cubist Fernand Leger”- precum și multe altele) toate lucrările sale ca„ joc ”cu formă și expresie cinematografică sub influența lui Dadaismul).

Autorii s-au străduit să creeze „simfonii vizuale” - pentru ei fenomenul creativ și accentul pe ritm au devenit singurul numitor creator acceptabil și căutat. Analizând mai atent aceste lucrări, vom constata că expresia formală prevalează asupra celei de fond. Această „mișcare de film” a numitCinema Pur„(Film pur) au existat o serie de susținători în afara Franței. În acest spirit, de exemplu, a lucrat în Germania - pictorul Hans Richter (animație "Ritmul 21„, 1921), Walter Ruttmann (Opus l., 1923) sau Oskar Fischinger (După cum vă place, 1919).

Creatorilor le place John Heartfield, Raul Hausmann, Hannah Höch, Alexander Rodchenko, El Lisitsky, Gustav Klucis, Karel Teige, Jindrich Styrsky și alții, cu fotomontajele lor, ating impactul emoțional dorit asupra perceptorului, deoarece fotomontajele lor stau deasupra „ilustrației descriptive”. Prin selecția adecvată a cadrelor individuale și combinarea acestora în seria omogenă, ele creează noi valori și impactul dorit. Principalele mijloace au fost provocarea și șocul, care au provocat o reacție conceptuală a priori și empatia maselor.

În același timp, la sfârșitul anilor 1920, următoarea oportunitate creativă a fotografului a fost reînnoită ca o avalanșă - expoziția repetată, cunoscută încă de la sfârșitul secolului al XIX-lea. Dar tocmai în această perioadă pictorii de lumină, pe baza impulsurilor cinematografice, au încercat să realizeze și să folosească creativ „suprapunerea” mai multor „planuri” temporale și spațiale - dimensiuni.

În prima jumătate a anilor 1930, un val de fotografie socială a ajuns în Statele Unite, unde s-a dezvoltat cu o forță extraordinară, în special în timpul crizei economice.

Fotografia și cinematografia au devenit, în timpul Europei de dinainte de război și instabile din punct de vedere politic, un manipulator expresiv. Mai ales în Italia fascistă și în Germania nazistă. La acea vreme, ambele mass-media serveau ideologii fanatice (de ex. L. Riefenstahl). În timpul celui de-al doilea război mondial și mai ales în primii ani de după acesta, influența fotografiei documentare a fost proiectată asupra cinematografiei, ceea ce a dus la apariția următoarei tendințe cinematografice - „neorealismul”.

ІІ. CIRCULAŢIE

Este interesant să urmărim dezvoltarea aspirațiilor pentru înregistrarea mișcării dintr-un aspect istoric, care se încheie cu invenția cinematografiei. Pictura și sculptura s-au ocupat de această problemă de-a lungul existenței lor, deoarece aceste tipuri de artă sunt inerent statice și nu descriu dezvoltarea acțiunii în timp și spațiu (spre deosebire de tipurile dinamice de artă - de exemplu teatru, balet). Asemănarea cu filmul este arta plastică din momentul în care apar primele încercări de prezentare a mișcării și imaginea începe să recreeze acțiunea.

În patrimoniul cultural al diferitelor epoci, pictura mondială lasă un număr mare de picturi, a căror compoziție este împărțită în părți, recreând acțiunea independentă. Chiar și omul preistoric a încercat să recreeze mișcarea pictând mai multe faze de bază (picturi rupestre) - adică a încercat să descrie un eveniment, un eveniment, trăit în timp. Această aspirație este prezentă în întreaga dezvoltare culturală și istorică.

De exemplu, în Egiptul antic mișcarea a fost efectuată cu reliefuri pe pereții piramidelor și templelor, în Grecia pictorii au pictat figuri ale sportivilor în diferite faze ale mișcării lor, urmând logica secvenței. Francezul M. T. Poncet fotografiază imaginile individuale ale sportivilor și le proiectează pe ecran. Cu această experiență, el atrage atenția asupra legăturii evidente cu viitorul film de animație. Am putea găsi exemple similare în întreaga istorie a omenirii.

Pașii inițiali ai fotografiei (Niepce, Daguerre, Talbot, Bayar etc.) datează din perioada 1822 - 1840. Atât pictura, cât și cele mai vechi imagini fotografice au o similitudine incontestabilă în ceea ce privește staticitatea lor, în forma de comunicare strict vizuală și atemporală. Dar fotografia se oprește, surprinde mișcarea, extrage din ea „segmentul” de timp necesar expunerii. Faptul că pictura și fotografia nu pot înfățișa timpul nu înseamnă că nu au ocazia, mijloacele picturale necesare („instrumente”) pentru a face impresie, iluzia mișcării în privitor.

În primii ani, fotografia a încercat să semene cu tablourile și invers - pictorii au folosit imagini fotografice pentru inspirație, ca un substitut inspirator pentru realitate. Fotografia fotografică devine o „realitate secundară”, o sursă de material auxiliar pentru lucrările lor. Pictorii nu au dorit să copieze strict fotografiile, ci cu ajutorul lor pentru a căuta un nou „limbaj creativ”, o altă expresie mai modernă. Datorită fotografiei, pictura este eliberată de copierea directă a realității, de milenarul care se străduiește să facă mimesis (asemănător) realului. Influența reciprocă a fotografiei și a picturii în timpul impresionismului a dus la „unificarea” lor creatoare. Sub influența impresionismului, fotografia abandonează programatic „oglinda”, reproducerea realistă a realității, claritatea contururilor și nenumăratele detalii tonale și structurale. În imagini, sentimentul (subiectivismul) prevalează asupra realității obiective - pictorialismul secesionist, impresionist, caracteristic în fotografie cu utilizarea așa-numitelor „procese nobile”.