este

Mira TODOROVA vorbește cu Chris HARING cu ocazia apariției invitatului emisiunii sale Talking Chapter.

Ți-ai început cariera ca dansator, ai lucrat cu DV8 și Nigel Charnock. Apoi treci la coregrafie.

- De fapt, am început cu muzica, sunt profesor de muzică prin educație, pian. Am studiat muzica și mișcarea. La vremea respectivă nu exista universitate pentru dans contemporan și coregrafie la Viena, așa că a trebuit să plec în străinătate și am ales New York-ul, unde eram deja mai concentrat pe dans și coregrafie. Și când ești în New York, mergi la studioul lui Merce Cunningham, așa că eu sunt specializat acolo. În anii 1990, toți cei care dansau au plecat la New York, la fel cum acum toți merg la Bruxelles sau Amsterdam.

De unde vine numele Liquid Loft?

- În acel moment căutam un apartament, tocmai mă întorsesem din Anglia și aveam nevoie de un loc pentru repetiții. Cuvântul german pentru loft (Speicher) are sensul nu numai de stocare, ci și de memorie, un loc de stocare, de unde și sensul „memorie lichidă” ca tehnică sau „tehnică lichidă”, având în vedere tehnica motorie. Sunt un mare fan al science fiction-ului și al teoriilor cyborg. La acea vreme, lucrurile pe care le făceam erau foarte inspirate de William Gibson și de diverși scriitori de science fiction.

Ca coregraf, care sunt instrumentele tale principale? Se pare că corpul tău este interesat de tine ca o construcție culturală și socială.

- Primul lucru pe care l-am făcut cu Liquid Loft se numește Fremdkcrper, ceea ce înseamnă un corp străin, un corp ciudat pe care îl pot raporta la science fiction în teoriile cyborgului. Posibilitățile de metamorfozare și realocare a genului au devenit foarte interesante. În anii 1990, a venit cu ideea de unisex, care a venit cu tehnologia generației. Apoi s-a ajuns la proteze, extensii, transformări chimice. Când mi-am început cariera, ne-am gândit că în 2010-2012 vom fi mult mai departe în dezvoltarea tehnologică cu aceste extensii ale corpului. Pe de o parte, putem schimba corpurile datorită reacțiilor chimice sau organice, produse de tehnologie genetică, pe de altă parte, le putem modifica prin proteze, extensii - ideea de cyborg. Această idee a apărut în anii 1980 cu manifestul cyborg al lui Donna Haraway, puternic asociat cu ideile feministe.

Ați dezvoltat idei similare împreună cu artistul multimedia Klaus Obermeier?

- Am lucrat mult timp cu el. Am făcut două lucruri care ne-au luat mult. Amândoi am fost inspirați de aceste idei. A fost un geniu în lucrul cu diferite mass-media, a făcut lucruri care nu se văd des, a construit programele cu care a lucrat.

Ce perspective noi pentru coregrafie aduce ideea corpului cyborg?

- Nu cred că aduce perspective noi coregrafiei, cred doar că coregrafia ar trebui să fie deschisă acestor idei. Coregrafia pentru mine este un context, este întotdeauna un context de ceva. Sunt mult mai interesat de faptul că spectatorul construiește coregrafia pentru el însuși și nu de a-l seta eu. În calitate de coregraf, pot conduce într-o anumită direcție, dar nu trebuie neapărat să atrag audiența. Dansul modern s-a schimbat foarte mult. Toată lumea se plasează într-un anumit context - politic, social, de zi cu zi, etc. Cu cât folosești mai mult această idee, cu cât contextul devine mai extins, cu atât sunt mai largi podurile. La fel ca artele vizuale, care intră în abstractizare, apoi se întorc la lucruri concrete, la picturi sau instalații realiste. Cred că instalarea este o definiție bună pentru munca noastră. Ne gândim la corp ca la o sculptură, apoi vine grija cu ce semnificație, cu ce individualitate să o îndeplinească. Lucrăm foarte mult cu ideea de hardware și software: corpul este hardware pe care pot pune software diferit în funcție de ce program folosim - fie că este un program video, fie că este pentru muzică sau pentru scriere.

Comunicarea este un subiect foarte important în munca ta. Comunicarea ca o interacțiune continuă care construiește existența. Nu viața constituie existența, ci corelația cu cealaltă, proiecția imaginilor în spațiu.

- Mă interesează corpul uman care comunică. Existența, existența în sine este doar o bază, următorul pas este comunicarea. În spectacolul „Talking Head” mă ocup foarte mult de față, fac așa-numita coregrafie facială, pe de o parte, pare foarte manipulată, dar de fapt are mult de-a face cu realitatea. Folosește tehnici moderne, dar se bazează pe un instrument foarte simplu, în realitate este doar un mușchi, un mușchi foarte mic, dar foarte puternic, care are cea mai mare memorie din corpul nostru și este minunat pentru coregrafie. Totul din viața noastră trece prin acest mușchi - prin mâncare, prin vorbire etc. Coregrafia mușchiului facial este ceva foarte, foarte interesant.

Vă interesează comunicarea și limbajul ca mecanică, ca melodii, nu ca transfer de semnificații.

- Da, în general, oamenii vorbesc mult și o mare parte din flux este o prostie. 70% din comunicare este transfer de conținut, restul este comunicare non-verbală - limbaj corporal, dinamică, postură. În social media modernă, multe lucruri cad în procesul de comunicare. Cred că a fost întotdeauna așa în comunicare, dar acum este mai intensă și mai vizibilă. Este foarte ușor să vă modelați identitatea în aceste rețele sociale.

Credeți că o persoană are o anumită identitate inviolabilă sau este construită situațional într-un mediu social? În spectacolele tale, totul se întâmplă prin metamorfoză, transformare, fluxul schimbării. Există ceva care este imuabil?

- În munca mea mă concentrez întotdeauna pe corp, chiar dacă nu dansează. Coregrafia există chiar și într-un corp staționar, deoarece corpul este legat organic de coregrafie, pierderea în greutate sau creșterea în greutate este deja coregrafie. Aș transfera tema identității la coregrafie, pentru că altfel este imensă. În general, „identitate” este un cuvânt mare, ca „artă”. Nu pot vorbi decât despre identitatea mea, care se schimbă foarte mult chiar și în funcție de țara în care mă aflu, de lucrurile pe care le fac, de oamenii pe care îi întâlnesc. Identitatea este ceva care nu ne aparține, ci mai degrabă depinde de comunitate, de modă, de nevoile sociale. Ceea ce vorbesc este mai mult comportament, nu pot să îmi articulez niciodată identitatea. Parcă nu aș avea o identitate, nici nu știu cine este acest Chris Haring, este o figură artificială cu care nu mă identific mereu, mai ales când citesc despre această persoană care pare să nu aibă nimic de făcut cu mine. Unii oameni sunt mai flexibili în schimbarea identității, alții nu atât.

În timp ce vizionam emisiunea, cuvântul „monstru” mi-a venit. Care este ideea ta de „monstru” astăzi?

„Iubesc lucrul monstruos”. Există un film minunat Modificat. Unul dintre personaje își dorește să fie o șopârlă și, cu cât se dezvoltă mai multă tehnologie, cu atât pune mai multe implanturi pentru că vrea să se transforme în șopârlă. Are identitatea unei șopârle și, prin urmare, încearcă să-și transforme corpul în cel al unei șopârle. Un alt personaj vrea să fie o pisică sau un tigru. Își pun în mod constant niște extensii, un personaj crede că brațul său nu este suficient de frumos și pune oase în plus. Există o mulțime de oameni drăguți cu tatuaje uimitoare, toată lumea crede că propria lor identitate sau individualitate nu este completă. În căutarea identității lor, fac lucruri precum Stellark. Așadar, pas cu pas ajungi la monstru, dar de fapt monstrul nu mai are semnificația brutalității sau cruzimii, este doar o continuare a unei idei despre tine. Văd mai multă monstruozitate la oamenii inteligenți și fără scrupule. Corpul nu poate fi niciodată un monstru. Îmi place să mă uit la corpuri.

Munca ta este foarte teoretic fundamentată și inspirată din punct de vedere filosofic. Care este poziția de plecare când începeți să faceți un spectacol?

- Cred că punctul de plecare este alegerea oamenilor. Nu sunt un coregraf care le spune dansatorilor ce să facă. Mai degrabă, mă ocup de asigurarea spațiului comun și apoi descoperim multe lucruri împreună. Desigur, avem întotdeauna o temă preliminară și începem să ne mișcăm spre ea. Uneori scriu lucruri care nu vor fi auzite în spectacol sau o idee care nu va fi recunoscută la sfârșitul procesului.

Credeți că lucrarea este strâns legată de contextul în care s-a născut?

- Pentru mine este ca o religie. Eu chiar cred în asta. Sarcina mea este să găsesc contextul potrivit pentru munca mea. Dacă văd că publicul mă urmărește sau, mai degrabă, merge în direcția mea, dar fără să stau în față și să-l îndrum, atunci sunt mulțumit. Îmi place foarte mult teoria lui Jacques Ransier despre „spectatorul emancipat”. Coregraf, interpreți, public - noi toți creăm lucrarea împreună. Performanța este ceea ce se percepe, care este diferit de opera în sine. Ne distrăm foarte mult în timpul repetițiilor, nu am avut niciodată un timp la fel de bun ca în Liquid Loft. Și este foarte frumos dacă alți oameni se implică în această distracție - publicul de exemplu. Îmi place foarte mult Ivo Dimchev, poate fi închis într-un spațiu timp de un an și poate crea, nu pot face așa ceva.

Faceți diferența între publicurile din Est și Vest?

- Ce înseamnă Estul? Cu cât mergem mai la est, cu atât ne aflăm mai repede spre vest. Cred că în acest moment în fostul bloc estic este mult mai interesant și mai interesant, deoarece oamenii lucrează intens. Nu mai este exotic acolo, arată ca așa-numitul Occidentul și oamenii sunt foarte deschiși la schimb. Este diferit în Asia, pentru mine este încă exotic și foarte diferit. Dacă vizionați o piesă de dans din China sau Indonezia, chiar și Japonia, puteți învăța o mulțime de lucruri noi, acestea introduc o mulțime de elemente tradiționale pentru care au un profund respect și le amestecă cu o idee modernă de dans asta este foarte diferit de cel occidental.

Cum alegi dansatorii cu care lucrezi?

- Când fac castinguri, încerc să ascult mișcările și discursul dansatorilor, nu atât de mult pentru a-i urmări. Există întotdeauna oameni de naționalități diferite, de exemplu în ultimul proiect au fost interpreți din Polonia, Canada, Suedia, Germania, Spania. Îmi place foarte mult dinamica și temperamentul oamenilor din sud. Fiecare națiune are un ritm diferit al vocii, al corpului, oamenii se mișcă diferit, se apropie diferit, iar acest lucru aduce multe culori diferite spectacolului. Fiecare limbaj are o muzicalitate foarte diferită. Munca noastră se bazează în mare parte pe muzicalitatea vocilor. Căutăm dansatori care să aibă această muzicalitate. Nu lucrez niciodată cu actori, întotdeauna cu dansatori care se întrupează. Limbajul corpului este mult mai important pentru mine decât interpretarea bună. A vorbi, a striga sau a cânta este un fel de continuare a mișcării.